台中國際動畫影展已逐漸成為世界知名的動畫觀摩與競賽平台，今年有來自 2,201 件作品報名短片競賽，創下影展的新紀錄。而來自台灣，在美國就讀加州藝術學院(人稱迪士尼學校)的 Cindy Yang，從 2 千個作品中脫穎而出，將與 60 組國際短片一同角逐影展最大獎。究竟他創作的動畫短片《多幾咧？》有甚麼迷人之處？映CG 特別專訪 Cindy Yang，來談談他的創作理念以及在美國讀書的心路歷程。  

聊聊《多幾咧？》故事的靈感來源？

在 CalArts 三年級的暑假，找不到任何實習機會的我決定回到台灣。除了舉辦個人的插畫展外，也安排兩個月的打工度假—目的地是被山環繞的台東縣池上鄉與被海包圍的蘭嶼。或許這就是動畫短片中「山？還是海？貓？還是狗？」最初的靈感來源吧！在這兩個月期間， 除了每天踏實的生活外，還被即將畢業的焦慮而深受其擾， 到底畢業後要回台灣創作，還是留在國外繼續累積經驗？這種焦慮一直持續到暑假結束，而當我回到美國後開始構思畢業製作的主題時，「所有選擇都是同樣有價值的」的想法，在經過不斷地腦內自我辯論後突然冒出，這也是創作《多幾咧？》最原始的初衷。無論是生活中最日常不過的選擇（像是早午餐）還是重大的人生抉擇（選擇結婚）都只是一念之間，活在當下所做出的決定。總體來說，是對生活的焦慮迫使我創作了這部短片來自我安慰，也希望觀看的觀眾也會有所收穫。  

重要的不是選擇本身，而是選擇後的種種經歷

by Cindy Yang​

製作動畫的過程，依然有很多疑惑與對未來的不安，這時我終於有機會閱讀朋友先前推薦的書「被討厭的勇氣」，在閱讀途中也終於意識到，原來自己想要透過這部短片傳達「勇氣」。「有勇氣面對未知」聽起來非常的八股，就是因為不知道「未知可以為你帶來什麼」才會使得「勇氣」如此可貴與值得相信。選擇了，就努力做到底，因為回頭看並不會改變任何事情，當然這都是極端浪漫的想法，現實世界總是遠比想像的來得殘酷。不過如果能隨時保有這樣的勇氣去嘗試未知，或許人生的過程就能夠少去一些痛苦吧！  

動畫從 1:1 的畫框轉變成比較扁長的，為何會以突破畫框的方式敘事？

「改變畫面比」一直是我創作動畫很感興趣的⼀部分。在觀看電影《令人討厭松子的一生》後，不同的畫面比帶給觀眾的感覺也不同，這概念讓我倍感興趣。像《多幾咧？》中的正方形比例有點像是回憶，所以我也用手持攝影機畫面來加強這個感覺。而當故事進到現實時，畫面比轉變為電影院放映的比例，就像觀眾們正在觀看主角們的人生故事，最後當她做出了決定， 畫面完全地展開，讓故事的未來有了無限的可能。除了畫面比的變化外，角色的外型也隨之改變︔從回憶中可愛的樣貌轉變為更加寫實的身體比例，暗示著生活從主角的回憶樣貌終於轉變為現實，並不畏懼地往前走。當然這都只是理論，會這樣玩的原因也是直覺可行，觀眾如何去解釋、感受才是最重要的。  

《多幾咧？》的美術風格有很重的手繪質感，為何選擇這樣的表現方式？

畫動畫長時間都是對著電腦與繪圖板，選擇手繪繪製背景才能暫時的遠離輻射。另外手繪的質感是電腦永遠取代不了的， 除了風格需要，也有部分原因是個人喜好，未來應該也會持續使用手繪媒材。風格參考了童年時喜歡的動畫為主，例如《櫻桃小丸子》、《隔壁的山田君》、《蠟筆小新》等等的簡約角色設計。風格方面，受到高畑勳作品影響，也受到許多早期民國或日本昭和時期的版畫、插畫啟發，最後決定以柔和的色彩為主。  

在編劇過程中，有甚麼重大改變呢？

 一開始想要傳達的訊息很清楚，就是「決定無論大小其實都是一樣的」，決定了就要無畏的走下去，只不過在劇本上琢磨了好一段時間。說來也好笑，明明是一部告訴大眾任何決定都會沒事的動畫，卻在製作時遲遲無法生出最終版本，也是滿諷刺的一件事。

劇本初期草稿只是簡單的三幕劇故事， 主角被男朋友求婚、因為感到困惑而回家、最後給了答應了婚事。但看來看去總覺得這樣的故事太過普通，創作短片的形式應該可以更豐富，在左思右想過後，發現這樣的故事安排好像跟高畑勳導演的《兒時的點點滴滴》過於相似，一部學生製作短片要如何在相同的架構與長片匹敵？基於種種原因就將三幕劇的故事廢棄，開始往更加實驗的方向思考架構。從「決定無論大小其實都是一樣的」到從「無數的小決定」開始延伸到「最大的決定」，利用同排比較的方式讓觀眾覺得兩者是相同價值的，並在其中穿插主角的生活故事，使短片更引人入勝。在這樣的想法出現後， 就決定使用旁白帶著故事走，之後便以旁白為雛形開始繪製分鏡、調整細節。例如主角的經歷、轉變，一開始天馬行空地與老師討論著想要讓主角失去家人、錯過班機，甚至朋友搶了她暗戀的對象，或在婚禮當天喝個爛醉，但好像太誇張了，搶走了原本故事想傳達的含義，經過不段的嘗試、不眠不休的修改，終於敲定了最終版本。

在製作過程中主要採用哪些軟體在 2D 動畫製作以及後期合成呢？

動畫是由法國開發的 TV Paint 完成，從分解動作到清稿上色一舉包辦，後期合成主要是使用 After Effect，聲音部分使用的是聲音剪輯軟體  Pro Tools，最後將全部的檔案輸入至 Premiere 剪輯輸出。過程分解如下：

背景在電腦繪製構圖，塗黑印出後，利用光桌在水彩紙上，使用水彩與色鉛筆繪製彩色背景。

動畫從前期規劃、製作到完成大約花了多久完成？過程中最大的挑戰是什麼？

整部的時間安排大概是：九至十一月為劇本發想、分鏡繪製、初步動態腳本，十一月至隔年一月為色彩設定、角色設計、旁白配音錄音、錄製環境音，一月至二月為完成最終版動態腳本、背景繪製、與配樂溝通，三月至四月中為動畫繪製、上色、後製、配樂、⾳效處理，總體過程嚴格來說是七個月。

其中一項挑戰大概是配音及音效，因為短片背景設定在台灣，除了配音是在台灣錄音室完成外，所有的背景音效都是從學校出借的錄音器材回到台灣錄製的。因為錯過了當器材買保險的時間，當時還跟學校器材簽了弄壞賠全額的契約，現在想起來自己怎麼有那個膽！但如果沒有這些音效，這部就不會那麼獨特，所有冒的風險都是值得的。 

另外值得一提的是，片中的婚禮的背景音效,是在我姊姊婚禮上錄製的，非常有紀念價值，也因此這部對我來說更增加了一份特殊的意義。

by Cindy Yang

而配樂部分則是另一個挑戰，在還沒回到美國的暑假，有位英國的樂團作曲家聯絡我，希望有機會合作。我聽了樂團的歌曲後很喜歡，覺得很適合，並沒有想這個樂團有多少電影配樂經驗，就答應他的合作邀請。因為對方在英國，時常要因應時差來回聯絡，更增加了溝通的困難度。而我對配樂也非常要求，來來回回我大概要求修改了不下數次，還畫了時間圖表解釋，最後事實證明其實視訊解說比較快，而且解釋越精確越好。哪些樂器的聲音比較適合、或許這部分可以更多的弦樂，或是前一段音樂的延伸，只是更加簡單、放慢。每次的溝通都更加邁向理想中的模樣，這種感覺其實是很令人興奮的。。 

跟我們分享一下主要角色的設計理念？

基本上角色設計階段經歷很多版本，但雛形很早就出來了，主角是以我與我的大學好朋友為藍本。角色設定的原因主要就是要凸顯主角緩慢、猶疑不定的特色。主角的大圓臉相對於瓜子臉、非常有主見的朋友，呈現出一種憨厚的感覺，就連身上的穿著也是偏寬鬆的服飾，顏色柔和不突出。相較下來，朋友就是不畏懼展現自己，合身的衣褲、亮粉紅的鞋子加上一頭俏麗的褐色短髮，所有的元素都在讓角色更鮮明。男朋友的部份希望給人一種穩重、可靠的感覺，於是就使用了非常多稜稜角角、較少曲線的設計，衣服也是偏向柔和的顏色，跟轉變後的主角也形成了另一層對比。或許是輪到他向主角學習勇敢面對未知的時候了。

值得一提的是，在錄音之前我也先與三位聲音演員一同閱讀過角色設定，提出任何問題、試讀劇本，才能在正式錄音時節省時間。 

跟我們分享一下配音過程的趣事？

主角是以我與我的大學好朋友為藍本，實際上也是請她配音。她的聲音溫厚緩慢非常合適，在這之前我還找了很多人試音，但都差一點點，直到有天我就想起了她，還覺得自己真笨，為何沒早點想到！另外兩位配音都是由朋友介紹，一位是台灣正式的動畫配⾳員，另一位是訓練生。兩位在配音表現也非常出色，尤其是男朋友，總是一個 Take 就搞定，非常專業。若對他的配音有興趣可以在粉專觀賞他的作品。

另一個有趣的故事是因為錄音過程中主角的聲音過小，在錄製完大家離開後才發現，所以必須要再請朋友到我家單獨重錄。因為家裡不像錄音室中有專業隔音，所以我們躲在厚重的棉被下克難地錄音，有時候還要向樓下的家人大喊肅靜、等待街上的車子離去才能開始錄製，非常感謝朋友願意與我共患難，才有這樣的好成果。

動畫放映給國外的人看時，他們有甚麼回饋？

其實加州有非常多的亞洲移民，很多⼈看完後，不斷地跟我說，片中的場景感覺好熟悉、好溫暖，好想再到亞洲一趟。而非亞洲移民的觀眾對於台灣場景確實有感到好奇，有時候會問關於早餐店與小吃的問題，不過大部分的觀者給最多回饋的通常是故事本身，以及他們覺得男朋友沒去過家裡就求婚是一件很笨的事，但或許這就是文化差異（笑）。另一個有趣的回饋是，這部片的敘事方式好像與大部分的美國卡通不太相同，這好像也是我在學時，受到最多回饋的部分。很多美式的敘事方式都是清楚明瞭，角色遇到的困境，一定會清楚讓你知道，最後再秀出角色尋找到解決的辦法與過程。但也許是受到非常多的實驗性漫畫與動畫影響，我所採用的敘事方式比較隱晦，或許作為一個觀者來說，我非常喜歡在片中找細節，藉由角色對話與與動作來理解作品，我做作品時也將自己當成觀眾一般，去做會讓自己喜歡的創作，才會發展出這樣的敘事模式。  

與我們分享國外的動畫創作環境與國內有什麼不同嗎？

國外的商業動畫發展成熟，分工非常細緻，所以很多的工作都是單一且重複的，不會讓你碰觸其他部門的工作：分鏡師專職畫分鏡、剪輯師負責剪輯，場景構圖、上色、清稿等等的都是分開的工作，還有個職業叫做 storyboard revisionist（分鏡清稿師），就是專門清理分鏡師畫的分鏡，好讓接下來發派出去做動畫的過程更順暢。這項工作與 storyboard apprentice（分鏡訓練生）也是許多想當分鏡師的最初所會選擇的職位，通常分鏡訓練生與指導老師訓練三個月後，就有機會升職成為正職分鏡師。

除了商業產業外，也有非常多的小動畫公司存在，但大部分都是廣告工作室， 專門製作廣告或接客戶想做的短片維生，而這些案子中所需要的員工都是身懷六甲，從動畫、清搞到上色全部一手包辦，前些日子我待過的一家小工作室就是如此。除此之外也有非常多的獨立創作者靠著接案維生，在閒暇時間製作創作、申請影展補助，不過這部分就沒有台灣興盛。如果沒有一份正職工作，在洛杉磯以接案生活是很難維生，尤其是國際學生，公司利用學生身份降低薪水的例子也是層出不窮，但這又是另一個可以討論的問題。另外一方面，台灣的商業動畫還沒有完全發展起來，甚至可以說是沒有一個產業鍊，有在創作、外銷的工作室寥寥可數，據我所知一部分的原創短片、長片都是以政府、影展補助、募資為主，這點就和美國大不相同，不過卻與歐洲國家就有些許相似。據九月中我參與一個韓國影展遇到幾位從歐洲來的導演所述，他們製作的短片的經費都是由申請政府補助而來，這次台中影展開幕片《衝出迷境 Away》導演也是因此完成長片。

台灣與歐洲環境雖然沒有大量的資金形成可以長期運轉的產業，但作品風格是豐富多元的，這大概就是與美國動畫產業最大的差別了。

by Cindy Yang

對於想要前往國外求學的讀者朋友，你認為需要考慮好什麼事項？

第一，想要從這次經驗中得到什麼。先確認學校的課程、師資是否符合想學習的方向，畢業後是否考慮繼續在當地就業，對未來求職的走向也比較好掌握。例如 CalArts 的角色動畫系比較專注於培養分鏡師、與商業動畫的產業連結較深，未來若是想進入美國動畫產業會相對有比較多資源。但今日局勢也是不太一定，有些公司開始優先考慮其他學校的學生，也有些公司開始因應政策不太幫助國際學生申請簽證。除了加州藝術學院之外，當然還有較注重美術、前期設計的 Art Center、非常多人知曉的南加大，以及畢業後才有所耳聞的 SCAD。若是對實驗動畫有興趣的話，也可以參考 CalArts 的實驗動畫系碩士班，不過與任何實驗動畫系相同，若是未來想要在美國商業動畫產業鏈中找工作會相對困難，不過對於邁向教書一職倒是會有幫助。

第二，考慮未來的就職地點、產業生態。通常在當地的學校畢業後隨之而來的是當地的就職機會，雖說總是可以放棄工作簽證另謀二路，但學生時期建立的人脈網便不復存在，在一個全新的環境開始找工作尤其困難。除了人際網之外，也需要思考就職環境是否適合自己，例如你的志向為製作獨立動畫卻身在美國商業動畫產業，找工作當然會難上加難。總之對於要唸碩士、學士或學校抉擇，都必須先做好充分調查，才能將申請費、學費、生活費作用發揮到最大。

就創作而言，有沒有你很喜歡的作品或藝術家？

⼀直以來我都是高畑勳的忠實粉絲。他的作品總是充滿幽默又不失哲理，大眾化又不失深度，但可惜的是他的光芒總是被宮崎駿蓋過，許多人並不曉得吉卜力是由他與宮崎駿一同創作的。由此可知我非常喜歡的動畫電影不外乎《兒時的點點滴滴》、《隔壁的山田君》等等的經典，但《輝耀姬物語》大概是影響我最深的高畑勳作品。

除了動畫外，我也一直嘗試著漫畫創作（其實⼀開始是想當漫畫家的），非常喜歡的作者與作品包括松本大洋的《SUNNY》、《乒乓》，他與湯淺正明製作的《乒乓》動畫大概是最棒的動畫影集沒有之一。五十嵐大介的《故事說不停》、《海獸之子》總是可以在引人入勝的奇幻故事中挖掘人性價值的深度，奇幻與殘酷的現實總是交織一起，這種架構總是最吸引我的。這些其實都是早期影響最多的一些作者和作品，但近期去了韓國的獨立動畫影展，遇到了非常多風格獨特的工作室與導演，例如yaha_han、vcrworks、verchickq，還有此次台中動畫影展開幕片《衝出迷境 Away》的導演 Gints Zilbalodis，還有多次在北藝課堂上被老師提起的 Boris Labbé。相信還有非常多有才華的導演們在各個動畫影展值得認識、等著被發掘！ 

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