動畫工作室「光點吉樹」藏身於永和四號公園旁的巷弄，透過落地窗可以看見幾位動畫師盯著螢幕、埋首工作的模樣，一派明亮。空間另一角，導演劉育樹工作間的門上卻貼滿了符掛飾品，桌上還擺了好幾尊尊布袋戲偶。傳統文化與科技的結合正是劉育樹的強項。投入動畫產業二十餘年，他的創作橫跨動畫、XR 和沉浸式劇場，以視覺藝術與表演藝術結合科技，呈現民俗文化精粹，並寫入對傳統的反思。對他來說，技術與內容如何產生對話？動畫的發展又該走向何方？

結合真人表演靈魂和動畫想像力的轉描技法

2026 年劉育樹再次帶來新作品《最後香燈腳》，屬於動畫劇集《極樂》，以易經六卦隱涉科幻寓言，參與的六組團隊各有千秋。

動畫公司沒有開鏡的習慣，但劉育樹常和劇團演員共事，因此在《極樂》開工之前，他提議舉行特別的開鏡儀式，彷彿也昭告了這個企劃與眾不同之處。

「轉描動畫可以同時幫到電影界和動畫界，融合大家的專長，也許這可以是我們的定位。」他回想起和文化部部長小野的一次對談：「日本的 2D 動畫很厲害，我們或許超越不了，但我們還是有我們厲害的地方，我們的劇團、劇場演員很厲害，動畫師也不差，只是缺乏了動畫的表譯能力。」

劉育樹解釋，「我從門口走進來拿一杯水給你， 一個動作有超多種演法，代表我的情緒，可能是歡迎，可能是緊張。」優秀的動畫師會在動作中加入細節詮釋，賦予第二意義。過去，台灣動畫師的動作參考多是來自網路影片，或是親身上陣。但缺乏相關表演教育訓練的結果，是劉育樹直到接觸劇團和電影，才曉得何謂表演的含意和鏡頭語言。

而轉描動畫截長補短，結合了演員的表演專業和動畫師的技術，正能夠滿足動畫表演的不足。演員先透過身體、表情和節奏完成演出，動畫師再一格一格捕捉、描繪與調整，讓真實的動作變成動畫角色的表演。創作者不用一直被技術和複雜動作綁住，可以更專心處理「表演」本身。「演員怎麼呼吸、停頓、視線，以及情緒如何在身體裡發生，這些細微的東西都被保留下來。轉描對我而言不只是一種動畫技法，更是一種把演員的靈魂與動畫的想像力結合在一起的表演方式。 」

外型可以再塑，好的表演難以取代

劉育樹形容，轉描就像是動畫版的人物動態捕捉，但它不只複製了動作，還可以重新改變角色的外型。而有了真實演員作為參考，角色的情感和戲劇張力信手拈來，結合動畫師的手繪能力和技術，就能產出出色的成果。同時，演員跨領域成為動畫人物，擁有更多樣的舞台。轉描動畫保留了演員的神態，讓演員走進二次元的世界，展現別樣魅力。

他偏愛劇場演員對身體、空間和情緒的敏銳掌握，即使沒有太多台詞，也能用動作建立新角色，是合作的首選。對他來說，外型是可以塑造的，但好的表演很難被取代。「我要找的不是一個外表最像角色的人，而是一個真正能把角色活出來的演員。」

從真人表演轉換到動畫角色，劉育樹認為最大的差別在於呼吸與動作的流暢程度。人體在自然情況下有許多細微、連貫的動作起伏，若完全轉換到動畫角色身上，就會看起來「過度逼真」，因此，在事前準備工作中，演員學習不動聲色地呼吸，動作收發皆像動畫角色般俐落，他則會在演員身上畫記加強肌肉、骨骼線條，讓動畫師在轉描時能更明確地捕捉表情變化。

以動畫延續兒時鍾愛的布袋戲美學

豐富的實驗性視覺是轉描動畫最大的優勢。轉描動畫能夠奔放地在水彩、油畫、粉筆、蠟筆、甚至無線條光影等形式中轉換。劉育樹更常在作品中大膽使用螢光配色，強烈的色彩成為他的招牌：「小時候常常會去廟會看布袋戲，當時的視覺衝擊讓我覺得是那是一種華麗的美學，有些人可能覺得俗氣，但我不在意，把好看的部分、服飾轉譯成數位科技，變成新的視覺藝術語言，也讓布袋戲美學延續。」

在轉描動畫裡，線條和色彩不只是美術上的選擇，它們其實會直接影響角色的表演和整部作品的情緒。

線條就像是角色的骨架，決定了動作的力量、節奏和質感，細緻穩定的線條畫面會偏向寫實；如果刻意保留抖動、斷裂或粗細變化，就會產生比較手繪、直接，甚至有點不安的感覺。色彩則像是作品的情緒，重新定調真實影像原本的氣氛。

轉描和傳統動畫的原畫、中割分工也大有不同。傳統動畫通常會把原畫、中割、線稿和上色交給不同的人處理；但轉描則是由同一位創作者從表演、描繪、線條到色彩一路完成。這樣可以讓個人的風格更完整，不過，同時也很考驗創作者對整體畫面的控制與耐力。

從易經長出東方科幻，一輩子都做不完的民俗素材

《極樂》由六組台灣原創動畫團隊共同打造，以《易經》中的六卦對照六段東方科幻寓言，透過共同的哲學概念、情緒與命題而非角色或劇情將故事串聯起來。六部作品就像從六個不同方向觀看同一個宇宙，也各自在思考：人在面對失去、選擇和未知時，所追求的「極樂」究竟是什麼？六組團隊之間的良性競爭帶出風格殊異的作品，有如一場創作者之間的精采對話。

民俗文化一直是劉育樹創作中的重要元素，他深受傳統文化豐富的想像力吸引，鮮明的視覺和戲劇性也成為和科幻、恐怖等類型結合的絕佳素材。他會根據自己的經驗、直覺和熱情，找到最能傳達作品情感與世界觀的表現方式。技術可以一直改變，但劉育樹真正關心的，還是如何把台灣的故事說得更有生命力，讓更多觀眾願意看見它。

劉育樹曾多次擔任博物館展覽動畫與影像專案的導演，因而累積了和文史工作者、策展人等合作的經驗，學習到豐富的歷史知識。他將這些細節藏進角色的動作、造型和場景裡，讓作品深深扎根。創作不是將田野資料原封不動地搬到畫面上，還需要經過轉化與想像。而在改編之前，要先理解它為什麼存在，帶著尊重去取捨詮釋。「每一次專案都像是重新上了一堂課，累積下來的經驗，不只是作品的一部分，也是我作為導演持續成長的重要養分。 」

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目的與過程的意義辯證

從 VR、動作捕捉、沉浸式體驗到虛擬攝影棚，以至當今如火如荼的 AI，劉育樹坦言有時覺得哭笑不得，彷彿被技術追著跑。年輕時的他憑著一股好奇心不斷探索新科技，隨著年紀增長，他慢慢沉靜下來，選擇專注耕耘人性與情感。

「年紀大了看這個世界的角度也不太一樣，我不覺得自己一定要做動畫，要成為最厲害的那個人。」劉育樹娓娓道來近年的心態調整，「做動畫會讓自己開心，這比較重要。」他分享，對他而言最實用的並不是某像特定技術，而是將不同技術整合起來的能力。軟體與平台會不斷地汰換，但感知和敘事能力卻永遠都是價值核心。

當被問到對 AI 科技後浪推前浪的看法，劉育樹沒有正面回答，反而說起動畫軟體 Maya。「當年的我們不會寫程式，但可以直接用軟體做出動畫。現在使用 AI 創作的人也可以不知道什麼是 Maya，不需要知道 3D 是怎麼被建構出來的，皮膚怎麼長的，但依然能做出動畫。」

當過程不斷被簡化、人們不再需要具備所有知識就能輕易獲得成果，接下來便是目的與過程的意義辯證。「如果我是一個工程師，現在只要 Maya 一個按鈕就能做出一顆球，那我一輩子學習技能寫這一大串 C++ 的意義是什麼？」劉育樹輕描淡寫地說，彷若武俠小說中的高人，不求勝也不求敗，只求問心無愧：「笑一下，就過去了。要不要繼續深究 C++ 或 3D 動畫，就看自己、看市場有沒有需求，沒有的話，就是國寶了。」

動畫是一趟認識自己的旅程

近年，劉育樹投入古蹟光雕投影與博物館沉浸式劇場創作，改變了他對動畫空間的概念以及觀看方式的理解。他漸漸將真人表演、舞蹈、投影和虛實影像結合。2025 年在板橋林家花園演出的光雕沉浸式劇場《仙履林園》在他心中留下深刻的印象，即使下著大雨，現場仍有五、六百位觀眾排隊等著欣賞，沉浸式演出的魅力可見一斑。

劇場的經歷也影響了他的創作思維。有別於以畫面為主的動畫，劇場從對白、演員和音樂出發，影像只是輔助。「我必須思考觀眾的目光會落在那裡，是看整個空間，或是聚焦在演員身上，又如何讓視覺與聽覺平衡。這些都是劇場教會我的事情。」對節奏與情緒的掌握，讓劉育樹的作品更有空間感和生命力。

他將來自不同場域的經驗與能量匯聚到動畫。2022 年的《光電音造盤絲洞》 以 XR 結合當代電子藝術設計與傳統文化，2024 年的《八洞妖》則揉合傳統戲偶、動畫與 VR，一舉挺進安錫影展。2026 年，光點吉樹改編《最後香燈腳》前往泰國參加偶戲節。劉育樹讓動畫走出螢幕，來到觀眾面前，動畫世界與布袋戲世界虛實交錯，開拓全新的展演體驗。

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縱橫動畫二十年，認識自己的旅程卻才剛剛開始。劉育樹表示，近幾年的最大收穫不是得獎，而是找到創作方向，每一步都走得比以往更加踏實。他相信，只要持續創作，作品自然會帶他前進下一片風景。

受訪者